Ricordando Nagisa Ōshima, nato il 31 marzo 1932 a Kyōto, rendiamo omaggio ad una delle figure più radicali, lucide e influenti del Cinema Giapponese del secondo Novecento. La sua opera, profondamente intrecciata con le tensioni politiche, sociali e culturali del Giappone postbellico, rappresenta ancora oggi un punto di riferimento imprescindibile per comprendere il rapporto tra linguaggio cinematografico e critica della società.
Ōshima non fu soltanto un regista, ma un vero e proprio intellettuale militante. La sua formazione in diritto e scienze politiche all’Università di Kyoto non fu un semplice dato biografico, bensì una matrice fondamentale del suo sguardo artistico. Il cinema, per lui, non era evasione, ma uno strumento di analisi, di conflitto e di interrogazione continua. Questa tensione emerge chiaramente sin dagli esordi alla Shochiku, dove, dopo aver lavorato come assistente alla regia accanto a cineasti come Yoshitarō Nomura e Masaki Kobayashi, sviluppò una propria visione autonoma e spesso in contrasto con le convenzioni dell’industria.
Il debutto nel 1959 con Il quartiere dell’amore e della speranza segna l’inizio di un percorso che si inserisce nel più ampio movimento della Nouvelle Vague giapponese, di cui Ōshima diventa rapidamente una figura centrale. Già con Racconto crudele della giovinezza (1960), emerge con forza una poetica che rifiuta i modelli narrativi tradizionali per abbracciare una rappresentazione aspra e disillusa della gioventù. I suoi personaggi non sono eroi, ma individui frammentati, spesso intrappolati in dinamiche sociali oppressive.
Nello stesso anno, con Notte e nebbia del Giappone, Ōshima porta il cinema politico a un livello di radicalità che gli costerà la censura. Il film, attaccando apertamente le contraddizioni della sinistra giapponese e il trattato nippo-americano, dimostra come il regista non intendesse risparmiare nessuna istituzione, nemmeno quelle ideologicamente più vicine. Questo atteggiamento critico, coerente e intransigente, accompagnerà tutta la sua carriera.
Negli anni successivi, la sua ricerca si amplia e si diversifica. Con L’addomesticamento (1961), tratto da un’opera di Kenzaburō Ōe, affronta il tema dell’alterità e del confronto tra culture in un contesto segnato dalla guerra. Parallelamente, la fondazione della Sozosha nel 1965 rappresenta un passaggio decisivo verso una maggiore indipendenza produttiva, che gli consente di sperimentare ulteriormente sul piano formale e narrativo.
Questa tensione sperimentale trova espressione anche in opere atipiche come Cronache delle imprese dei ninja (1967), dove il linguaggio cinematografico si intreccia con quello del manga, dando vita a una struttura narrativa originale. Ma è con film come L’impiccagione (1968) e Il bambino (1969) che Ōshima consolida la propria capacità di affrontare temi estremi – dalla pena di morte alla povertà – attraverso dispositivi narrativi che mescolano realismo, grottesco e teatro dell’assurdo.
Con La cerimonia (1971), il regista torna a interrogare la società giapponese, mettendo in scena il conflitto tra tradizione e modernità attraverso una narrazione non lineare e simbolicamente stratificata. È un cinema che richiede allo spettatore una partecipazione attiva, che rifiuta la passività e stimola una riflessione critica.
Il riconoscimento internazionale arriva nel 1975 con Ecco l’impero dei sensi, opera che segna una svolta nella rappresentazione del corpo e della sessualità. Il film, ispirato a un fatto di cronaca, affronta il rapporto tra eros e morte con una radicalità che suscita scandalo a livello globale. Tuttavia, al di là delle polemiche, l’opera si impone come una riflessione profonda sulle dinamiche di potere e sulla condizione umana.
Tre anni dopo, con L’impero della passione, Ōshima prosegue questa indagine, ottenendo il premio per la miglior regia al Festival di Cannes. Il suo cinema si conferma capace di coniugare rigore formale e intensità emotiva, senza mai cedere a compromessi.
Nel 1983 realizza Furyo, probabilmente il suo film più noto al grande pubblico internazionale. Ambientato durante la seconda guerra mondiale, il film esplora il confronto tra culture e identità attraverso relazioni complesse e ambigue. La presenza di figure come David Bowie e Ryūichi Sakamoto contribuisce a rendere l’opera un crocevia tra cinema, musica e riflessione culturale. Colonna sonora indimenticabile.
Gli anni successivi vedono Ōshima confrontarsi con nuove sfide, come dimostra Max amore mio (1986), girato in Francia. Tuttavia, negli anni novanta, un ictus interrompe temporaneamente la sua attività. Nonostante ciò, il regista torna con Tabù – Gohatto (1999), un’opera che riprende i temi del potere e del desiderio in un contesto storico, confermando la coerenza e la continuità della sua ricerca.
La morte, avvenuta il 15 gennaio 2013 a Fujisawa, segna la fine di una carriera straordinaria, ma non l’esaurirsi della sua eredità. Ōshima ha lasciato un cinema che continua a interrogare, a disturbare e a stimolare il pensiero critico. In un’epoca in cui il linguaggio audiovisivo rischia spesso di appiattirsi su modelli convenzionali, la lezione di Ōshima resta attuale: il cinema può e deve essere un luogo di ricerca, di rottura e di verità.
